Алексей Введенский — сторибордист Skydance Animation. В его портфолио — сериалы «УдивЛа», «Разочарование», «Простоквашино» и другие работы. Мы поговорили с ним о новом сезоне фантастического приключения «УдивЛа» и вышли далеко за рамки сериала. Как сторибордист «Красавицы и чудовища» разочаровал режиссера? В чем секрет «Победы или поражения» от Pixar? Какой эпизод «Простоквашино» уходит в научную фантастику? Откуда в «УдивЛе» отсылки к «Войне и миру»? Ответы — в большом интервью о профессии, креативе и анимации.
Алексей, каким получилось продолжение «УдивЛы»?
Про сюжет могу сказать немного, но обещаю — нас ждет более захватывающая и интересная история: если первый сезон повествовал о новых существах, поселившихся на территории Земли, то во втором сезоне мы наконец познакомимся с миром людей. Повествование станет еще насыщеннее, экшн-сцены — сложнее, эмоции — интенсивнее!
Проект задумывался как премиум-сериал с самого начала — то есть гибрид сериала и полного метра. Поэтому мы выделили больше времени на производство и хороший бюджет. Некоторые серии были в препродакшене до полугода: мы тщательно прорабатывали сценарий и сториборд. Для меня, как для сторибордиста, этот опыт был особенно интересным.
Как выглядел ваш рабочий процесс в течение этого времени?
Я получал сценарий и в течение примерно двух месяцев превращал его в сториборд. Затем мы собирались с руководством студии, продюсерами и автором книги Тони ДиТерлицци на story trust (совещание, на котором собирается руководство студии и проекта. — Прим. ред.), где разбирали проблемы сюжета. Мне нравилось участвовать в таких встречах, потому что я не только мог увидеть, как мыслит руководство, но и предложить свои идеи. После этого правки отправляли сценаристам, и примерно через месяц я возвращался к сториборду. На некоторых сериях у нас было от трех до восьми итераций — иногда сюжет переписывали полностью.
Такой тщательный препродакшн — это особенность Skydance Animation?
Это особенность полного метра в США — препродакшн мультфильма может длиться до четырех лет. Skydance Animation решила применить этот подход к многосерийному проекту. Но мы, конечно, не единственные, кто так делал. Pixar придерживались того же принципа, создавая сериал «Победа или поражение» для Disney+. Мне кажется, полнометражные студии часто так делают, когда берутся за сериальные проекты.
Мне кажется, «Победа или поражение» многим понравился. Как вы думаете, почему сериал получился таким классным?
Проект и правда удался! «Победа или поражение» — на уровень выше первого мультсериала Pixar «Студия сновидений». Я думаю, что это отчасти благодаря тому, что руководство Pixar дает возможность молодым создателям воплотить в жизнь что-то глубоко личное, вдохновленное их жизненным опытом. Кстати, с одним из сценаристов, Майклом Йэйтсом, я даже знаком — мы учились в одном университете. Надо будет как-нибудь порасспрашивать его, как же у них получился такой шедевр.
Давайте еще немного поговорим об «УдивЛе». Вы как-то рассказывали, что одна из сцен в седьмом эпизоде вдохновлена «Войной и миром». Это была ваша идея?
Да! Я получаю сценарий — каркас, где задан только сюжет. Моя задача — оживить его, визуально передать внутреннее состояние героя. Часто для этого я опираюсь на личный опыт. Иногда вдохновение приходит неожиданно — как, например, отрывок из «Войны и мира», который мы проходили еще в школе. В этом и есть суть работы сторибордиста: вложить в сцену что-то свое, добавить то, чего в ней еще не было. Именно за такими специалистами, которые могут улучшить проект на своем этапе, выстраиваются в очередь студии.
Расскажу историю, которой поделился мой преподаватель и сторибордист Роберт Лэнс. На своем первом проекте для Disney — «Красавица и чудовище» — он сделал сцену строго по сценарию. И вдруг режиссер ему говорит: «Почему ты сделал один в один как в сценарии? За что мы тебе платим?» Конечно, Лэнс был в шоке. Но потом понял, что от сторибордиста ждут не просто точной передачи текста, а умения пропустить сцену через себя, добавив что-то личное.
Получается, что для сторибордиста очень важна насмотренность?
Так и есть. Скажем, если у меня есть около недели на сториборд, треть этого времени я всегда трачу на подготовку. Собираю референсы из кино, литературы, личной жизни. И потом из этой большой базы данных выбираю лучшие элементы для своего проекта. Уже много лет я преподаю и всегда включаю этот этап в процесс создания сториборда.
Потом вы как-то представляете свои идеи режиссеру? Этот процесс чем-то похож на питчинг?
Да, по сути, мы питчим свою сцену режиссеру — он тоже включается в брейншторм, и мы вместе доводим идею до нужного уровня. Примерно через три недели показываем все продюсеру, Бобсу Гэннауэю. Он тоже делится мыслями. У меня собирается такая папка идей — я ее пересматриваю, что-то беру, что-то не беру, делаю новую версию сцены. Обычно это повторяется пару раз. Потом сцену отдают на монтаж, могут еще прийти правки — я их тоже вношу. А дальше — story trust, о котором я уже рассказал.
А что можете рассказать о внутреннем климате в Skydance Animation? Кто ваши коллеги?
Skydance — очень интересная студия, потому что ее создали выходцы из DreamWorks, Pixar и Disney. По сути, это воплощение лучших практик. Работа здесь дала мне возможность увидеть, как устроены процессы в этих студиях, и узнать живые истории о создании известных фильмов, на которых я сам вырос.
Я каждый день немного в шоке от того, какие классные у меня коллеги. Skydance просто переманила к себе крутых чуваков, которые им очень нравились. Например, у нас работает Дин Келли — он выиграл несколько «Эмми» для Pixar. Том Оуэнс из DreamWorks, Донна Ли — из Disney. Режиссеры Рич Мур и Дон Холл раньше работали в Disney, Брэд Берд — в Pixar. Меня тоже переманили в Skydance, когда я делал «Разочарование» для Netflix.
Чем вам запомнилась работа над «Разочарованием»?
«Разочарование» — проект Мэтта Грейнинга, создателя «Симпсонов» и «Футурамы», в Rough Draft Studios. Там работают ребята, которые сотрудничают с Грейнингом десятилетиями, еще со времен «Симпсонов». Я думаю, у них на всех сотни лет коллективного опыта. Конечно, было большой честью работать с ними.
Я включился в проект на последнем сезоне, поэтому смог увидеть, как сага подходит к концу. Мне было очень интересно узнать, как сильно отличаются подходы в каждой студии. Например, Rough Draft по-прежнему распечатывает сториборды на бумаге и отправляет их аниматорам по почте в Корею.
Давайте отмотаем немного назад. Где вы учились на сторибордиста и что вам дала учеба?
Мне всегда хотелось учиться в CalArts, это лучшая школа анимации в мире. Конкуренция туда, кстати, выше, чем в Гарвардскую школу бизнеса. Поэтому сначала я провел два года в Ringling College, где изучал CG анимацию. Это тоже отличная школа. Там я понял, как устроен продакшн, что такое хорошая анимация и какие сториборды удобны для аниматоров. А потом уже поступил в CalArts на сторибордиста. Параллельно брал курсы в других школах.
У меня были преподаватели и из аниме, и из классической анимации. После школы я работал на 2D проектах, ситкомах, 3D, полнометражках, на российских проектах. Все это повлияло на мой гибкий подход к сториборду. Мне легко сотрудничать с разными режиссерами: кто-то хочет больше уйти в аниме, а кто-то — в классику.
Например, у Рича Мура очень интересный подход к работе — гибридный. Он снял «Ральфа» и «Зверополис» для Disney, но начинал на «Симпсонах». Он делает сильный упор на комедию сцены, и это, на мой взгляд, наследие его телевизионного прошлого. Но при этом ему важны эмоции, тон сцены — и это уже влияние Disney.
Что помогло вам поступить в CalArts?
На самом деле ответ будет более скучным, чем хотелось бы. Я думаю, что ребята, которые поступили в CalArts с первого раза, учились в художественной школе. Я в Москве этим не занимался. Поэтому мне понадобилось больше времени, чтобы пройти этот путь.
Пока вы учились в CalArts, вы работали в «Союзмультфильме» сторибордистом и режиссером «Простоквашино». С чего началось ваше сотрудничество?
Я работал над «Простоквашино» с первых серий, и это было очень интересно. Мне повезло работать с крутыми ребятами — мы вместе искали стиль этого проекта, персонажей, стиль повествования, атмосферу. Это дало мне важный опыт, как работает анимационный проект.
На первых сериях я занимался раскадровкой. Работал с Женей Жирковой и Мишей Солошенко. Мне очень понравилось с ними сотрудничать: мы всегда живо обсуждали, как лучше подойти к каждой серии, искали способы сделать лучше. Особенно запомнилась шестая — она, пожалуй, самая необычная. В ней раскрывается происхождение Тамы-Тамы, и это единственный эпизод, который так сильно уходит в научную фантастику. Все получилось очень динамично. Мне довелось придумать многие фишки для этой серии.
Потом вас позвали режиссировать?
Да, на тридцатой серии — «Доить или не доить». В ней я уже начал пробовать что-то свое. Например, я внимательно подходил к камере. Много обращал внимание на то, с какого угла она смотрит на наших персонажей, и как это влияет на зрителей. Я искал новые композиции с персонажами, играл с уровнем горизонта, при этом используя существующую библиотеку фонов. Такой подход не менее эффективен для производства, но помогает зрителям лучше прочувствовать эмоции сцены.
Я также обращал много внимания на актерство персонажей. Старался сделать их такими же живыми и подвижными, как принято в Голливуде, но при этом сохранить их целостность и образ, к которому привык зритель. Это тонкая грань.
Именно эта серия, кстати, выиграла «ТЭФИ» за режиссерскую работу. Что принесло ей статуэтку?
В любом проекте важна команда — художники, аниматоры, сценаристы. У нас был отличный сценарий, его написал Олег Козырев. Мне очень понравился этот сюжет, в нем было много потенциала для юмора и эмоций. Моей задачей было не только реализовать эти моменты, но и усилить их, чтобы рассмешить и заинтересовать зрителя. Думаю, жюри «ТЭФИ» тоже это почувствовали.
Что касается режиссерской работы, мне кажется, что хорошая режиссура часто как раз не должна бросаться в глаза. Слишком крутая камера или суперподвижная анимация может только сбивать зрителя с истории. А в таких проектах, как «Простоквашино», где уже есть свой устоявшийся стиль, ломать его может быть опасно — непонятно, как зритель отреагирует.
Как вы узнали о том, что выиграли «ТЭФИ»?
Мне пришла смска от Жени: «эй, тут твоя серия выиграла «ТЭФИ». А я вообще не знал, что она была номинирована. Конечно, было очень приятно! Грустно, но в США мало кто слышал о «ТЭФИ», точно так же как в России очень мало людей знает про Skydance Animation и ребят, с которыми я работаю. Это показывает, насколько наши индустрии далеки друг от друга. Мне бы хотелось, чтобы мы работали ближе: нам точно есть что предложить друг другу.
Что влияет на то, каким получится сториборд? Жанр — первое, что приходит в голову, но, наверное, есть еще какие-то важные штуки?
Не только жанр, но и вид анимации — например, 2D ситком будет сильно отличаться от 3D ситкома. Бюджет тоже влияет: одни проекты могут позволить себе тонкое актерство, разные углы камеры, тщательно прорисованные фоны. В других проектах нужно мыслить изобретательнее: например, адаптировать уже существующие фоны, а не рисовать новые. И это не делает проект хуже. Наоборот — все культовые анимации, которые мы любим, выросли в своих ограничениях. Именно в этих рамках рождаются самые креативные решения. Они-то и придают проектам свой шарм. Например, я бы точно не хотел увидеть «Ёжика в тумане» с подвижной камерой.
Плохой сториборд может испортить хороший сценарий?
Однозначно. Можно долго спорить, вытянет ли хорошая раскадровка слабый сценарий, но одно ясно: плохая раскадровка точно испортит даже отличную историю. А профессиональный сторибордист, на мой взгляд, способен спрятать некоторые сценарные огрехи.
Задам самый популярный вопрос для сторибордиста. Сколько рисунков раскадровки вы делаете в день?
Зависит от раскадровки. Если нужны простые наброски — могу нарисовать до 150 кадров за 7–8 часов. А вот если это диалоговая сцена с тонкой мимикой, могу остановиться и на пяти. Мне кажется, важнее всего — качество. Сколько кадров вы можете хорошо нарисовать за день? От этого количества и стоит отталкиваться. По моему опыту, те, кто работает медленно, но основательно, ценятся куда больше, чем те, кто работает не очень качественно, но быстро. В Голливуде принято говорить, что качество — лучшая бизнес-стратегия.
Что посоветуете начинающим ребятам?
Инвестировать в себя. Не гонитесь за тем, чтобы в начале карьеры сделать как можно больше проектов. Вместо этого работайте на качество: уделяйте время на поиск референсов, изучайте фильмы, проходите курсы. И, создав имидж художника, который делает качественную работу, вы быстрее продвинетесь по карьерной лестнице.
Интервью взяла София Иванова