Журнал

Как выбрать лучшую позу для персонажа в вашей сцене?

  •  

    Когда вы работаете над  своей анимационной сценой, то часто возникает вопрос, сколько же поз для персонажа рационально можно использовать, что бы раскрыть его в этой сцене. Проблема в том, что иногда можно переборщить  в этом вопросе. В сцене должно быть достаточно пауз и моментов передышки, в которые мозг нашего персонажа должен успевать обрабатывать свои мысли, а зритель успевал бы их считывать. Как правильно подойти к этому вопросу, что бы ваша анимационная сцена стала идеальной, ответит Дана Боудвей, владелец и директор анимационной студии Killerjellybean, учитель в онлайн школе Animation Mentor, и один из главных спикеров недавно прошедшего Первого Слета аниматоров (г. Москва), организованный нашей онлайн школой Animationschool.ru.

     

     

    Итак, вы приступаете к работе над своей анимационной сценой, и данный вам диалог навевает вам много различных вариантов, как его можно было бы обыграть. И тут главное не увлечься с большим количеством вариантов поз, которые могут прийти вам в голову. Если будет отыгрываться  слишком много поз в очень коротком промежутке времени вашей сцены то, это приведет  к плохой коммуникации с вашими зрителями. Сцена будет выглядеть очень наигранной и неестественной, в отличие от чего то более естественного, в то, что можно поверить. В вашей сцене должно быть достаточно пространства, в котором зритель будет успевать считывать мысли, появляющиеся в голове вашего персонажа. И как результат появления этих мыслей, сам персонаж потом должен реагировать на них, что-то делать или что-то говорить.   

     

     

     

     

    В этой сцене персонаж Лингвини на самом деле находится только в двух позах. Да, все правильно, только в двух основных позах.  Все остальное является более или менее интенсивным изменением тех же поз. Все остальные движения – это жесты, которые поддерживают интонации диалога, как бы подсознательные движения.

     

     

    То как же сделать так, что бы в вашей сцене было как можно меньшее количество поз? Вначале, нужно определить, какие эмоции чувствует ваш персонаж во время сцены. Изменяются ли эти эмоции? Если да, то нужно понять, почему они меняются, когда они меняются, и на что это влияет в будущем? Это действительно так просто. Положение вашего тела в пространстве будет зависеть  от того, что вы чувствуете в данный момент времени. Чувства будут формировать мышечное напряжение в теле. Такие эмоции, как грусть, скука, усталость, как правило, имеют очень небольшое мышечное напряжение. Это выражается в теле округлой осанкой, руки и ноги будут казаться более тяжелыми и менее активными. В целом все действия буду медленнее.

     

     

    Другие эмоции, такие как гнев, волнение, страх, будут иметь гораздо больше мышечного напряжения. Это заставит позвоночник выпрямиться, поднять плечи вверх, вытянуть руки, сжать кулаки, занять позицию готовую к действию. Действия в целом будут более быстрыми и собранными.  Так что пока есть поза, которая заставляет вас думать о конкретной эмоции, можно, конечно же, поиграться с позированием, пока вы сохраняете чувство мышечного напряжения, которое соответствует этой эмоции. Как всегда, правила существуют для того, чтобы их нарушать, и мои советы не исключения, но они дадут вам отличную отправную точно для экспериментов.

     

     

    Итак, в кадре с Лингвини, у него есть два основных мыслительных процесса, которые происходят на протяжении всей сцены. 
    1) «Ты же, крыса … как ты это сделала?» … где он, подавшись вперед, крепче сжимает банку и смотрит прямо в банку на крысу …

     




    и 2) «От меня ожидают, что я смогу это сделать снова! Но я не знаю, как!» Если в первой позе, он сгорбившись, сосредоточился на крысе в банке и говорит с ней. То во второй позе, он прижимает банку к своему телу, стоит более вертикально, и не сосредотачивается ни на чем внешнем … он больше разговаривает сам с собой.

     

    По мере того, как интенсивность эмоций в сцене меняется, мы наблюдаем переход из позы один в позу два. Вариация этих поз изменяются по мере изменения интенсивности эмоций, и мышцы тела нашего героя все меньше и меньше держат напряжение, так как последовательность продолжается. Движения меняются от более быстрых, к более медленным.

     

     

     

    Все остальное, что происходит в этих позах, - это жесты. Эти жесты поддерживают основное выражение характера и интонации диалога. Это жесты рук, пожатие плечами, качание головой. Эти жесты являются отражением подсознания, выражающего себя, и, как правило, они являются дополнением основной позы, к которой они относятся.

     

     

    Если внимательно следить за каждым из этих жестов (руки, плечи, голова), то все эти части привязаны к телу. И от тела передается на них импульс движения. Поэтому руки двигаются не как будто ими управляет кукловод , а двигаются согласно импульса от тела и мы чувствуем вес этого движения. Эти изменения веса также передаются и на нижнюю часть тела. И хотя иногда мы можем не видеть ноги персонажа, но мы все равно их чувствуем даже за пределами экрана. Чем больше задействовано все тело в движении, тем более убедительным будет ваш персонаж.

     

     

    Жесты, как будто новыми слоями,  добавляют ритм вашей сцене. Эти слои очень похожи на оркестровую партитуру. У вас есть основные изменения в позе, так же как ритмы баса, которые являются базовыми ритмами в кадре, жесты идут в качестве основных ритмов мелодии. Крошечные маленькие движения, такие как моргание, «стреляние» глазками, качание головой, это как верхний слой вашей композиции. Эти уровни слоев добавят вашей сцене глубину, за которой будет зритель  с радостью наблюдать. Если вы начнете, прослушивать диалог вашей сцены много, много раз, то, через какое то время он примет более абстрактную форму, в которой вы сможете отлично различить фазы и ритм речи. Поэтому прежде чем приступить к планированию вашей сцены, рекомендую это упражнение, по зацикленному прослушиванию вашего диалога и разбивки его на различные слои ритма.

     

     

    Также очень важны моменты неподвижности во время вашей сцены. Я называю это как микро-паузы. Микро – паузы – это те крошечные ритмы времени, когда персонаж почти неподвижен, но в то же время мы наблюдаем за процессом его мышления. Микро-паузы актуальны, каждый раз, когда персонаж пытается подобрать правильные слова, чтобы что то сказать. Или когда что-то случилось и персонаж разрабатывает план выхода из этой ситуации. Или когда внимание вашего героя смещается на что-то другое.  Микро-паузы – это те моменты, когда ваш персонаж находится в раздумье. Эти мысли могут проскользнуть очень быстро, поэтому это очень короткие промежутки времени. Но эти моменты очень важны, чтобы зритель мог прочитать мысли вашего героя и заставить поверить в то, что ваш герой живой.

     

     

    Эти микро-паузы также играют важную роль в создании ритма. Они обеспечивают, как бы знаки препинания в вашей истории. Биты тишины в музыке так же важна, как и сама музыка – они создают нужный контекст. Надеюсь, что вы поняли мою мысль.

     

     

    Подытожим.
    Простота в выборе поз = хорошо!
    Изменение в слоях ритма = хорошо!
    Микро-паузы = хорошо!

     

    Источник.
    http://blog.animationmentor.com/choosing-the-best-poses-for-your-acting-shot/

Комментарии

0 комментариев